James Wan sur la fin de la suite "Aquaman", AI Fears et "Saw"

Le titan THR derrière "M3GAN", l'univers "Conjuring" et la franchise "Insidious" parle également de la lutte pour choisir des acteurs d'origine asiatique : "J'entendais toujours "Nous y réfléchirons" et rien ne se passerait. Donc ça me ferait toujours vraiment chier."

Par Brian Davids

Écrivain

James Wan est devenu l'exemple qu'il n'a jamais eu.

Né de parents chinois malais, Wan a immigré avec sa famille de Malaisie en Australie-Occidentale à l'âge de 8 ans, et à ce moment-là, il était déjà tombé amoureux du cinéma grâce au classique d'horreur surnaturel de Steven Spielberg et Tobe Hooper, Poltergeist (1982). Cette fonctionnalité inclut quelque chose qui deviendrait un élément de base du travail ultérieur de Wan (plus à ce sujet plus tard), mais le voyage jusqu'à ce point n'a en aucun cas été facile. La ville natale de Wan, Perth, est l'une des capitales les plus reculées du monde, et son rêve d'enfance de devenir un réalisateur de genre grand public à Hollywood s'est senti encore plus hors de portée lorsqu'il s'est rapidement rendu compte qu'il n'y avait pratiquement aucun cinéaste asiatique faisant des films de genre en studio à la fin des années 80 et au début des années 90.

La vie de Wan a changé à jamais lorsqu'il a rencontré l'acteur et scénariste australien en herbe Leigh Whannell à l'Université RMIT de Melbourne, et leur amour commun pour les films de genre a conduit à leur hit d'horreur indépendant Saw (2004). "Dès le premier instant où j'ai rencontré James Wan, j'ai su qu'il allait être un réalisateur à succès", se souvient Whannell. "Il n'y avait rien d'arrogant ou de vantard chez lui. Il avait simplement la confiance tranquille de quelqu'un dont le travail parlait de lui-même, et en tant que personne qui n'avait pas confiance en lui à l'époque, je me délectais d'être près de quelqu'un dont le succès futur semblait inévitable."

En tant que réalisateur, Wan a sorti 10 films dans les genres horreur, action et super-héros, rapportant plus de 3,7 milliards de dollars au box-office mondial. Son CV comprend également le film le plus rentable de Fast Saga dans Furious 7 (2015) et le film DC le plus rentable dans Aquaman (2018), et il a co-créé trois des franchises d'horreur les plus réussies de tous les temps : The Conjuring, Saw et Insidious. Wan est parfaitement conscient qu'il est devenu cet exemple trop rare et cette réussite pour les cinéastes asiatiques en herbe, et il s'efforce de dégager un chemin pour sa communauté chaque fois qu'il le peut via sa société de production, Atomic Monster, qui est en pourparlers avancés pour fusionner avec Blumhouse Productions de Jason Blum.

L'acteur Patrick Wilson, qui partage une douzaine de génériques avec Wan, attribue le succès du cinéaste à une qualité particulière. "Pour moi, l'une des scènes les plus Wan-esque est une scène simple dans The Conjuring sous le capot d'une voiture. Il n'y a pas de peur, c'est juste la construction du personnage", dit Wilson. "Je suis sûr que beaucoup de gens voulaient qu'il soit coupé, mais James ne fonctionne pas comme ça. Il dirige avec son cœur. Il sait qu'aucune peur ou séquence d'action ne peut compenser un manque de configuration de personnage."

En finissant Aquaman et le royaume perdu, Wan, 46 ans, a parlé avec THR du moment où il a senti qu'il avait déchiffré le code du genre d'horreur et a réfléchi à la tâche peu enviable de terminer Furious 7 après la mort tragique de Paul Walker pendant la production et la bataille difficile à laquelle il a dû faire face en essayant de lancer des acteurs asiatiques au début de sa carrière.

Si vous deviez faire votre version des Fabelmans, quelle expérience cinématographique révélatrice de votre enfance dramatiseriez-vous probablement ?

Poltergeist m'a laissé la plus grande impression, et ça m'a fait peur. J'avais environ 7 ans quand je l'ai vu au cinéma, et je vivais encore en Malaisie, avant que ma famille n'émigre en Australie, quand j'avais 8 ans. Cela m'a fait prendre conscience de la puissance du genre horreur, mais aussi de la magie du cinéma en général. Je ne pense pas que j'avais l'âge approprié pour voir le film. Cela m'a définitivement marqué à vie et m'a terrifié à propos des poupées et des clowns, mais depuis lors, je suis devenu extrêmement fasciné par les poupées effrayantes, comme vous pouvez le voir dans tout mon travail.

À la fin des années 80 et au début des années 90, il n'y avait pratiquement aucun cinéaste de studio qui vous ressemblait. Ce manque d'exemples vous a-t-il donné une pause dans la poursuite de ce rêve ?

Certainement. Cela m'a fait me sentir plus éloigné, et je me sentais déjà tellement éloigné du reste du monde en vivant en Australie. La plupart des cinéastes que j'ai grandi en idolâtrant sont américains, et les réalisateurs chinois ou asiatiques que j'admirais ont fait des films à Hong Kong. Donc, en tant qu'immigrant d'origine chinoise et malaisienne qui grandit en Australie, j'espérais pouvoir un jour transformer ce rêve en réalité, mais je visais vraiment les étoiles.

Alors que votre ambition a fait boule de neige, votre famille a-t-elle soutenu l'idée ?

Je dois remercier ma mère pour ce que j'ai aujourd'hui parce qu'elle m'a beaucoup soutenu dès le premier jour. Elle a grandi en aimant les films, c'est donc elle qui m'a vraiment fait découvrir toutes sortes de cinéma, du cinéma asiatique et des films américains aux films d'horreur italiens et anglais.

En ce qui concerne vos études supérieures, qu'est-ce qui a été le plus précieux dans ces années ?

La meilleure chose à propos d'aller à l'université était de rencontrer des personnes partageant les mêmes idées. Je suis allé dans une école d'art [RMIT] et j'ai rencontré Leigh Whannell au cours de notre première année. Nous étions tous les deux des enfants de 17 ans tout droit sortis du lycée et nous sommes devenus de bons amis avec des intérêts très similaires. Nous sommes de grands fans de genre, et nous en parlerions toujours entre les cours et pendant les pauses déjeuner. À l'époque, Leigh voulait jouer et écrire, et je voulais juste me concentrer sur la réalisation. Et collectivement, nous avons senti que nous pouvions rassembler nos cerveaux et trouver quelque chose.

Quand l'idée de Saw est-elle entrée dans l'équation ?

C'était du milieu à la fin des années 90, et Leigh et moi voulions vraiment couper le bruit de tous les films indépendants qui sortaient à cette époque, alors nous avons passé une année entière à réfléchir à des idées d'histoires. Et un jour, alors que j'étais sous la douche, j'ai pensé : "Et un film avec deux personnes coincées dans une salle de bain avec des toilettes vraiment sales ? Ils n'ont aucune idée de comment ils sont entrés là-dedans, et ils sont enchaînés à des côtés opposés de la pièce." Je ne connaissais donc que la configuration approximative, puis je savais comment je voulais que l'histoire se termine avec Jigsaw, cette personne qui les a mis dans cette situation. Et donc j'ai présenté une configuration et une finale très simples à Leigh, et il a dit: "Oh, wow. Laisse-moi y réfléchir." Alors il est parti, et il est revenu vers moi avec Saw.

Qu'est-ce qui vous a amené à créer un court-métrage Saw en premier ?

Nous avons passé une autre année à écrire le scénario, puis nous avons passé une autre année à essayer de faire tourner le film en Australie. Et puis notre manager, Stacey Testro, a dit : "Hé, j'ai transmis votre scénario à un de mes amis agents et il veut vous rencontrer." Et à ce moment de notre vie, Leigh et moi étions déçus par tout le processus de se rapprocher si près du lancement du film et que cela ne se produise pas. Donc, l'idée de voler sur des milliers de kilomètres de l'Australie à Los Angeles pour rencontrer quelqu'un que nous ne connaissons pas vraiment, je me suis juste dit : "Pourquoi ne montrerions-nous pas à ces gars que je suis un cinéaste et que vous voulez jouer ? Mettons notre argent en commun et faisons un court métrage qui représente notre vision du scénario, et nous verrons ce qu'ils en penseront." Nous avons donc tourné ce petit court métrage qui a vraiment fait décoller le film.

Une fois que vous avez fait ce court-métrage en ville, un accord potentiel dépendait du fait que vous soyez le réalisateur et que Leigh soit l'acteur principal ?

Oui, nous avons fait le court métrage pour vraiment montrer que nous en avons la vision. Nous étions jeunes et affamés. Donc, le court métrage a vraiment aidé à donner aux cinéastes et aux producteurs un peu confiance en qui nous étions – étant donné que nous n'étions personne à ce moment-là. Il n'y avait pas de YouTube à l'époque, donc l'idée d'utiliser un short pour nous vendre était encore assez nouvelle. Mais nous sommes restés fidèles à nos armes et nous avons fait un tas de tournées en ville. Il y avait des studios et des producteurs qui aimaient le potentiel du projet, mais ils ne se sentaient pas à l'aise avec Leigh et moi y étant attachés. Et puis Mark Burg, Oren Koules et Gregg Hoffman en ont vu le potentiel. Ce sont les toutes premières personnes que nous avons rencontrées, et ce sont eux qui ont dit : « Nous vous donnerons l'opportunité de le faire. Nous allons le faire avec un très petit budget afin que nous puissions posséder le film, et vous pouvez en faire partie. Et Leigh et moi venons de sortir de cette réunion en disant : "C'est vraiment arrivé ? Notre première rencontre à Hollywood, et quelqu'un veut vraiment faire notre film ?"

En 2004, Saw a rapporté 104 millions de dollars au box-office avec un budget d'un peu plus d'un million de dollars. Votre vie a-t-elle immédiatement changé de la manière que l'on pourrait imaginer ?

Lorsque Saw est devenu ce hit indie grand public, la vie a changé de façon considérable. Cela a mis Leigh et moi sous les projecteurs en tant que ces deux jeunes gars avec des idées de films de genre qui valaient la peine de lancer les dés. Nous avons donc eu beaucoup de chance que notre premier film soit un si gros film et soit devenu l'une des plus grandes franchises de tous les temps, pas seulement dans le genre de l'horreur, mais à Hollywood en général. Nous sommes donc très reconnaissants de ce que la franchise Saw a fait pour nous.

Le terme "torture porn" vous a-t-il longtemps taraudé ?

C'est parce que ce n'était pas le but. Leigh et moi n'avons pas simplement écrit un film choquant juste pour être un film d'exploitation, schlocky. Il y avait beaucoup de réflexion et d'artisanat dans le scénario, et cela ressemblait donc à un terme péjoratif pour le décrire. Il a finalement été utilisé pour décrire le sous-genre qu'il est devenu – et Saw était une grande partie de ce mouvement particulier – mais je n'étais certainement pas trop enthousiasmé par ce terme. Mais maintenant, avec le recul, je repense à cette période avec une vision un peu plus teintée de rose. Saw était un reflet de l'époque à laquelle il a été créé, après le 11 septembre. Nous avons estimé que le film, d'une manière étrange, était en quelque sorte pertinent pour cette période sociopolitique. Il y avait beaucoup de torture dans le monde. Donc, d'un point de vue historique, je suis d'accord avec ça, mais ça aide aussi que Leigh et moi ayons continué à faire beaucoup d'autres choses. Nous ne sommes pas définis par une seule chose.

En 2007, Dead Silence était le premier des deux films à sortir en petite pompe. Qu'avez-vous appris de ce revers ?

Eh bien, Dead Silence, mon deuxième film et premier film de studio, c'était vraiment moi qui réagissais à la réaction que Saw recevait, ce qui signifie que les gens parlaient de l'aspect torture de Saw. J'ai donc pris la décision très consciente de m'éloigner de ce style de film et de me tourner vers quelque chose qui ressemblait davantage à une maison hantée, une histoire de fantômes, qui est un genre que j'adore. Mais, bien sûr, Saw a fait une si forte impression qu'elle s'est poursuivie dans Dead Silence. Beaucoup de gens s'attendaient à quelque chose de similaire à Saw, mais ce n'était pas le cas. Finalement, ça n'a pas bien marché, financièrement, et à l'époque, les gens n'aimaient pas trop ça. Mais maintenant, étrangement, tant de fans me contactent pour me dire à quel point ils aiment Dead Silence. Et c'est la même chose pour Death Sentence.

Avez-vous été découragé par les réponses consécutives aux films que vous avez faits après Saw ?

Ouais, j'étais encore jeune, naïf et un peu ignorant, et je n'avais pas réalisé que j'étais techniquement en prison pour les réalisateurs après que ces deux films n'aient pas bien marché financièrement. Alors j'ai juste pris une pause pour réévaluer la direction que je voulais que ma carrière prenne, et Leigh et moi avons réalisé que nous devions revenir à nos racines indépendantes. Nous avions besoin de refaire [a]Saw pour nous renommer et nous réinventer dans le même genre, mais d'une manière différente. Nous sommes donc revenus à notre amour des films de maisons hantées et des histoires de fantômes classiques, et c'est ainsi que nous avons créé Insidious.

En 2010, Insidious est devenu l'une des premières réussites à petit budget de Blumhouse, avec un chiffre d'affaires de 100 millions de dollars. Qu'est-ce qui a fait que les étoiles se sont alignées ?

Insidious était le premier film que Jason Blum a marqué avec Blumhouse Productions, et nous voulions vraiment faire à nouveau un film amusant à faire. Nous avons tourné Saw pour 700 000 $, puis Lionsgate est arrivé et lui a donné de l'argent pour la post-production pour augmenter un peu le budget, ce qui a fait un budget final de 1,2 million de dollars. Et avec Insidious, le budget était d'un peu plus d'un million, c'était donc un film indépendant à très petit budget. Mais c'était amusant et nous n'avions pas la pression d'un studio derrière nous à ce moment-là. Nous voulions juste faire le meilleur film possible, puis l'amener à un festival du film et le vendre. Et c'est ce que nous avons fait [au TIFF]. Donc, être autorisé à le faire de cette façon s'est vraiment traduit dans le produit final.

En 2013, The Conjuring est devenu votre prochain succès critique et commercial. Avez-vous eu l'impression d'avoir déchiffré le code à ce moment-là ?

À ce moment-là, oui. Insidious a été un grand tournant. Je me souviens d'avoir eu une conversation avec le producteur Don Murphy, et, très brièvement, il m'a dit : "Ce que tu as fait avec Insidious est maintenant ce que tu dois faire sur un film de studio." Alors ça m'est resté, et j'ai juste décidé de prendre l'élément de la maison hantée d'Insidious que les gens aimaient le plus et d'en faire mon prochain film. Et si vous êtes un fan du paranormal et du surnaturel, alors vous auriez rencontré des histoires sur les Warrens à un moment donné de votre vie. J'étais donc au courant de l'histoire de leur vie et j'ai suivi les droits, ce qui m'a conduit au [producteur] Peter Safran puis, finalement, à New Line [pour faire The Conjuring]. Et je leur ai dit: "Je veux faire Insidious, mais je veux le superposer à une histoire de" vraie vie "."

Cette même année, Insidious : Chapitre 2 est devenu votre première véritable suite et encore une autre victoire au box-office. Qu'est-ce qui vous a fait dire oui à une suite d'Insidious mais non à une suite de Saw ?

Jason Blum était très catégorique. (Rires.) Il a dit : "James, tu dois revenir et faire Insidious 2." Et je me suis dit : "D'accord, Jason. Je reviendrai." Pour être honnête, j'ai passé un très bon moment à faire le premier film. Insidious m'a donné cette résurgence, alors j'ai vraiment eu l'impression que je le devais à la franchise. Je lui disais essentiellement merci.

Furious 7 (2015) était votre première incursion dans le genre d'action à gros budget, et à mi-chemin de la production, le cœur et l'âme de la franchise, Paul Walker, est décédé dans un accident de voiture. Quel est votre point de vue sur cette expérience maintenant que vous êtes éloigné de huit ans ?

C'était définitivement le film le plus dur de ma carrière. J'ai fait des films techniquement difficiles depuis lors, mais Furious 7 vient de frapper à tant de niveaux différents, en particulier émotionnel. C'était mon premier film à gros budget. J'ai fait The Conjuring pour 20 millions de dollars, puis Furious 7 pour des centaines de millions. Mais la taille de la production ne m'a pas rebuté ; En fait, je l'ai adopté. Je voulais vraiment créer un film qui avait l'apparence et l'odeur de leur franchise, mais je voulais concevoir des décors un peu plus tendus, pleins de suspense et effrayants. La première chose que j'ai présentée à Donna Langley d'Universal dans la pièce était la scène où le bus passe au bord de la falaise, et le personnage de Paul Walker, Brian, doit grimper sur le côté du bus et courir pour sauter. Deux ans plus tard, c'est devenu l'un des points forts de la bande-annonce.

Lorsque le décès de Paul Walker s'est produit, nous nous sommes dit: "Est-ce qu'on ferme le film pour de bon?" Mais nous avons collectivement senti que ce film devait être l'héritage de Paul. Nous avons donc essuyé nos larmes et nous nous sommes assis dans l'éditorial en disant: "D'accord, comment faisons-nous cela?" Heureusement, j'avais tourné certains trucs avec Paul, comme ses trucs d'action de fin, mais il manquait encore beaucoup de morceaux dans le film qui avaient besoin de Paul. J'ai tourné seulement la moitié de ce dont j'avais besoin de Paul avant son décès, puis nous avons travaillé avec des effets visuels pour sauver ce que nous avions. Pour terminer ce film maintenant, dans le monde d'aujourd'hui, avec la technologie de l'IA, c'est si simple. Mais nous n'avions pas ce genre de technologie à notre disposition. Nous avons donc dû creuser profondément dans notre sac d'astuces pour que cela fonctionne, et l'un d'eux consistait à faire intervenir les frères de Paul [Caleb et Cody Walker] et à tourner l'autre moitié du film. Nous avons ensuite extrait différents mots que Paul avait prononcés tout au long de la franchise pour créer des phrases pour nous.

Quel jour vous vient à l'esprit comme étant le plus émouvant ?

La partie la plus difficile de ce film a été de monter la fin du film où nous disons adieu à Paul. C'était très larmoyant. C'était difficile de regarder la fin que nous avons mise en place et de ne pas pleurer.

The Conjuring 2 de 2016 s'est comporté de manière très similaire au premier film en termes de réception et de box-office. Cette expérience vous a-t-elle rajeunie sur le plan mental et émotionnel après Furious 7 ?

Oui, après Furious 7, je voulais revenir à quelque chose de plus familier et simplement profiter du processus d'un point de vue émotionnel. Je voulais retravailler avec Patrick Wilson, Vera Farmiga et l'équipe, et continuer à développer l'histoire des Warrens. Et c'est à peu près là que nous avons commencé à nous diversifier encore plus avec l'univers Conjuring.

Outre le MCU, l'univers Conjuring est sans doute le deuxième univers cinématographique le plus réussi. Y a-t-il toujours eu l'ambition de lancer un univers, ou cela s'est-il produit de manière organique ?

C'est arrivé naturellement, mais au fond de nos esprits, nous avons toujours su que les Warrens enquêtaient sur tant de cas différents et qu'ils avaient un musée d'artefacts hantés. Donc, même en travaillant sur le premier film, nous crachions des idées, comme : "Ce ne serait pas génial si nous pouvions faire un film dérivé ou une série télévisée où nous abordions les différents artefacts hantés de leur musée ?" Et c'est vraiment comme ça que l'idée d'Annabelle (2014) est née. Annabelle est le joyau de la couronne de la collection des Warrens, et donc un film dérivé était un tremplin naturel. Et après le succès d'Annabelle, nous avons réalisé que The Conjuring pourrait devenir le vaisseau-mère pour engendrer d'autres histoires.

Vous vous êtes ensuite aventuré sur le territoire des super-héros avec Aquaman en 2018, qui, à 1,14 milliard de dollars, est actuellement le film DC le plus rentable de tous les temps. Combien d'ajustements avez-vous dû faire à la suite de décembre, Aquaman et le royaume perdu, pour s'adapter à la réinitialisation de DC via The Flash ?

J'ai dû faire des ajustements tout au long du chemin. La DCU a traversé de nombreuses versions différentes, et l'une des choses qui étaient difficiles à propos de ce film était de garder une trace de ce qui se passait. Heureusement, l'univers d'Aquaman est assez éloigné du reste du monde. Nous allons dans de nombreux royaumes sous-marins différents qui ne sont pas nécessairement liés à ce qui se passe avec les autres films et personnages, nous sommes donc autonomes à cet égard. Je peux donc simplement raconter mon histoire sans être trop affecté, mais en même temps, je dois être conscient de ce qui se passe.

Avez-vous une idée de la date à laquelle vous terminerez le post ?

J'espère le finir bientôt. Nous avons le truc DGA [négociations contractuelles] qui arrive le mois prochain, et donc il y a juste quelques trucs que nous devons finir. C'est un grand film. Il a beaucoup d'effets visuels et de pièces mobiles, mais nous allons dans cette direction, et j'ai hâte que les gens le voient. Je pense que les gens vont être ravis de voir que ce film est assez différent du premier film en termes de ton. C'est un peu plus grave, et nous traitons de questions comme le changement climatique. Nous n'avons pas peur de nous pencher dessus de manière importante, car la bande dessinée Aquaman, même il y a longtemps, a toujours été soucieuse de l'environnement. Il a toujours été quelqu'un qui s'est battu pour garder l'océan propre, et cela semble plus pertinent dans le monde dans lequel nous vivons aujourd'hui. Donc, ce film a quelque chose à dire, mais c'est toujours un film d'action-fantasy amusant.

Malignant de 2021 a développé un culte malgré très peu de presse pour le film. Pensez-vous que cette décision a contribué à créer une base de fans aussi enragée ?

Eh bien, le film est sorti au plus fort de la pandémie, et Warner Bros. avait mis toute sa liste de films 2021 sur HBO Max. J'ai compris pourquoi ils ont fait ce qu'ils ont fait, mais c'était un moment étrange pour que nos films sortent comme ils l'ont fait. Mais je dirais aux gens qu'en savoir le moins possible sur Malignant est la meilleure façon d'entrer dans le film. Nous étions également très conscients du fait que la bande-annonce ne révélait pas trop. Je voulais délibérément que le film donne l'impression que vous entriez dans un film d'horreur typique de James Wan, pour ensuite tirer le tapis sous vous vers la fin du film. Et cela a soit découragé les gens, soit les a amenés à réévaluer complètement le film sous un jour différent. Il a donc suscité une très forte réaction.

Comme le montre votre travail, vous êtes maintenant un exemple pour les aspirants cinéastes asiatiques et américains d'origine asiatique, un modèle que vous n'avez jamais vraiment eu en ce qui concerne le système des studios. Vous efforcez-vous d'ouvrir les portes autant que possible ?

Je m'efforce définitivement d'ouvrir des portes aux cinéastes et aux acteurs, en particulier ceux d'origine asiatique. Diversifier davantage a été une bonne chose, car, même aussi réussie que moi, une grande lutte au début de ma carrière a été de convaincre les producteurs et les studios de me laisser embaucher des personnes de couleur – en particulier des acteurs asiatiques. Même si je n'obtiendrais jamais un non catégorique, j'entendrais toujours "Nous y réfléchirons", puis rien ne se passerait. Donc ça me ferait toujours vraiment chier. Pendant Saw, je devais trouver un moyen de le faire secrètement, alors j'avais Danny Glover [en tant que détective], mais son partenaire était Ken Leung. Avec chaque film que j'ai fait, je devais secrètement insérer quelqu'un d'origine asiatique, et c'est horrible que j'aie dû faire ça et que les gens ne l'aient pas simplement accepté volontairement. Mais ces dernières années, la perspective a radicalement changé, et je suis en mesure de promouvoir de nombreux projets qui vont dans ce sens. Nous développons un projet sur un détective asiatique appelé The Good Asian, et il est basé sur une bande dessinée d'un créateur asiatique [Pornsak Pichetshote]. Il y a un autre projet que je développe depuis de nombreuses années, et c'est une histoire de fantômes d'Asie du Sud-Est. Ça s'appelle Pontianak, et c'est essentiellement notre version de La Llorona. C'est notre version d'un fantôme vampirique, et c'est celle que j'ai développée avec un grand cinéaste indonésien.

Qu'est-ce qui a motivé le lancement de votre entreprise, Atomic Monster ?

Je crois fermement qu'il faut donner au suivant, et donc l'une des choses qui m'a poussé à créer Atomic Monster a été de trouver de jeunes cinéastes et de les aider à faire décoller leurs films. Le tout premier cinéaste que nous avons aidé était David F. Sandberg avec Lights Out, et nous avons également passé un moment formidable à travailler avec [Malignant and M3GAN screenwriter] Akela Cooper, qui s'est vraiment éclaté de manière considérable. Donc, Atomic Monster veut continuer dans cette voie en donnant aux jeunes cinéastes, écrivains et acteurs l'opportunité de collaborer avec nous.

La fusion d'Atomic Monster avec Blumhouse est-elle toujours en marche vers la ligne d'arrivée ?

C'est. Ces choses prennent juste beaucoup de temps. Comme vous pouvez l'imaginer, lorsque vous associez deux entreprises bien définies, il y a beaucoup à faire entre les T et les I, mais nous nous rapprochons. Jason et moi sommes tout à fait en ligne. Nous nous complétons vraiment. Jason est vraiment génial avec ce genre de choses, et je suis vraiment bon avec ce genre de choses. Avec un peu de chance, nous pourrons yin et yang, et nous espérons faire beaucoup de trucs sympas ensemble.

Vous avez produit le film d'horreur centré sur l'IA de 2022, M3GAN, et depuis lors, la conversation autour de l'IA n'a fait que s'intensifier, surtout maintenant qu'il s'agit d'un point de friction dans les pourparlers sur le contrat WGA. Où vous situez-vous sur le sujet ?

Je crois vraiment que l'IA va changer non seulement notre entreprise, mais de nombreuses autres industries et le monde dans lequel nous vivons. La WGA - et ensuite SAG et DGA - se battront pour créer des paramètres sur la façon de l'utiliser et ce que nous devrions et ne devrions pas en faire. Donc, ce que les syndicats et les guildes négocient est si important. Si nous ne commençons pas à en parler maintenant et à nous en occuper maintenant, ce train fou pourrait être si loin dans quatre ou cinq ans que nous ne pourrons peut-être pas remettre le génie dans la bouteille. Ce pour quoi tout le monde se bat est une bonne chose, et cela a des ramifications en dehors de notre industrie de manière très importante.

Vos collaborateurs de longue date Leigh Whannell et Patrick Wilson ont tous deux fait leurs débuts en tant que réalisateurs via la franchise Insidious. Êtes-vous fier d'avoir contribué à créer ces opportunités ?

Eh bien, j'adore faire des films avec des gens qui aiment le cinéma, et Patrick et Leigh adorent toutes sortes de films. Entre les configurations, nous nous tenions à l'écart et nous nous contentions de parler de John Carpenter, de Star Wars, de Star Trek et de films d'horreur vraiment obscurs. C'est pourquoi je passe un si bon moment à faire des films avec eux, et je peux vraiment voir le cinéaste en chacun d'eux. Ce ne sont pas seulement des acteurs ou des écrivains ; ils ont une vision plus large de l'histoire que nous racontons ensemble. Et donc, quand ils sont venus me voir et m'ont dit : "Hé, j'aimerais réaliser un film. Peut-être que je peux réaliser le suivant ?" c'était comme une évidence pour moi. C'était comme si c'était quelque chose qu'ils avaient préparé pendant toute leur carrière.

Quel est celui qui s'est enfui ?

J'ai refusé beaucoup de projets, mais je ne regrette vraiment rien de ce que j'ai abandonné. C'est la pure vérité. Quand j'ai lu le scénario de Disturbia, je me souviens avoir pensé que cela ferait un très bon film, et si quelqu'un en faisait quelque chose de vraiment bien, ce serait un succès. Et bien sûr, il est sorti et il l'était. Donc, même si je ne l'ai jamais poursuivi, c'était probablement le plus proche.

De retour chez les Fabelman, Ces dernières années, un certain nombre de cinéastes ont réalisé des films semi-autobiographiques sur leur enfance et leur amour du cinéma. Est-ce quelque chose que vous aborderiez?

Je voudrais. Venant de Malaisie puis d'Australie, j'ai grandi avec tant d'histoires de fantômes d'horreur et de superstitions, et je peux voir ces éléments intégrés à mes films. J'adore l'idée d'un film semi-autobiographique vu à travers l'objectif d'un film d'horreur de genre. Cela pourrait donc être quelque chose d'intéressant sur toute la ligne, mais je n'en suis pas encore là.

Interview éditée pour plus de longueur et de clarté.

Une version de cette histoire est apparue pour la première fois dans le numéro du 31 mai du magazine The Hollywood Reporter. Cliquez ici pour vous abonner.

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